Essere o non essere commerciali? Perché i videogiochi non saranno mai un prodotto borghese

Il rischio è sempre quello di vedere nei videogiochi più cose di quanto realisticamente possano esprimere. Ma succede lo stesso in tutte le forme d’arte. Chi pratica il videogioco sa benissimo che giocare spesso vuole dire vivere esperienze lunghe e complesse. Chi progetta e pensa i videogiochi sa che quella del gaming è una scrittura dove tutto può cambiare. Magari per l’ingresso di una nuova tecnologia come la realtà virtuale, che aggiunge nuove dimensioni di storytelling . Chi infine i videogiochi li studia sa che possono nascere forme ibride, dove a comandare a volte è la storia, a volte il gameplay . Quello che sappiamo con certezza è che dopo quarant’anni di vita i giochini elettronici si portano dietro una complessità di linguaggio che non ha precedenti. È un’industria che se non vuole morire è condannata a inseguire tecnologie e a modificare di volta in volta la propria sintassi narrativa. L’ortodossia non apparterrà mai a questo mondo.

Prendi il caso di Jelly Mario. Apparentemente è Super Mario, quello però degli anni Ottanta con i baffoni marroni tutti pixellati. Ma non è il solito Mario: sembra di gelatina, ondeggia e fluttua esplodendo in migliaia di piccoli quadratini. È un esperimento storto e psichedelico come un disco dei Flamming Lips. Non è un videogioco classico (esistono solo due livelli e lo trovate qui http://jellymar.io/) ma un affronto all’ortodossia dell’estetica del videogame. È qualcosa che sta tra la delicata Pixel art del Super Mario dormiente di Miltos Manetas e il feroce Cat Mario, un giochino che sembra nato per produrre frustrazioni, urletti e faccine alle Youtuber star del momento. È insomma una buffa operazione iconoclastica ma che in realtà ha il merito di suggerire come “player one” è passato a un livello 2 del gioco. E non è necessariamente un passo in avanti.

L’estetica dei videogiochi sembra essersi fermata: ha smesso di evolvere, di generare nuovi generi, di stupire. Il coding dei sogni, come è stato definito all’inizio il videogioco, non fa più sognare. Dopo meno di quarant’anni dalla sua nascita commerciale, è diventato a tutti gli effetti industria, mainstream, sistema. Come dire, da quando hanno smesso di sentirsi un dio minore rispetto a cinema, letteratura e musica i giochi elettronici si sono lasciati contaminare dal peggio dell’industria culturale commerciale. L’esplosione di reboot, sequel e remake ha distorto l’immagine di questo medium, inchiodato a pochi titoli multi-milionari che fanno gran parte del fatturato. Qualche esempio? 

Destiny uscito nel 2014 è stato ed è la più grande operazione di marketing di questa industria. Il primo vero Gaas (games-as-a-service) che vorrebbe durare dieci anni. Tecnicamente è un mog (massive online game), grandi giochi online dove una comunità di utenti condivide uno spazio, e sia l’ambiente sia i giocatori cambiano nel corso del tempo. Artisticamente è come essere dentro una copertina di un libro della collezione Urania, un’orgia elettrica di colori e fantastico che allude alla migliore fantascienza degli anni Ottanta.

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Siamo dalle parti di produzioni milionarie che ormai fanno impallidire Hollywood. Blockbuster che hanno generato personaggi e storie originali come quella di Kratos, il brutale e rabbioso guerriero degli dei che si vendica delle divinità. Lo ritroviamo dopo otto anni in God of War 4 con la barba lunga, accompagnato da suo figlio. Atreus è il suo specchio deformato. Nel gioco i due iniziano un viaggio di conoscenza reciproca, di passaggio dell’esperienza, dove l’essere guerriero diventa il pretesto per comprendere cosa vuol dire essere un padre. Dopo una trilogia estrema nella rappresentazione della violenza, come nei migliori romanzi di formazione si allude alla fine dall’età dell’adolescenza di quel giocatore che da più di vent’anni frequenta i videogiochi elettronici.